debates e imágenes en [esferapública]

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debates en [esferapública]

  • 2007.12 curaduría, crítica y taxonomía
  • 2007.11 los rebeldes del sur
  • 2007.11 el perro de Habacuc
  • 2007.11 apartir del premio de crítica
  • 2007.10 crisis en la tadeo
  • 2007.10 los derechos al revés
  • 2007.10 en torno a esferapública
  • 2007.09 los rostros de la globalización
  • 2007.09 festival malpensante
  • 2007.09 ¿arte primario o primero?
  • 2007.08 ¿quien es el otro?
  • 2007.07 fernando Uhía ganador del Premio Luís Caballero
  • 2007.07 caro y la amazonía
  • 2007.07 crítica sobre las exposiciones del Premio Luís Caballero en Esfera Pública
  • 2007.07 preferiría no hacerlo
  • 2007.06 endogamia discursiva en la crítica de arte actual
  • 2007.06 paisaje, poética y metafísica
  • 2007.05 la modernidad como antiguedad
  • 2007.05 en torno a la donación botero
  • 2007.04 vacío y fantasmagoría
  • 2007.03 falta de rigor en Arcadia
  • 2007.02 premodernismo e ilustración
  • 2007.02 razones circundantes
  • 2007.02 del IDCT a la Secretaría de Cultura
  • 2007.01 exposiciones sin catálogo

  • vvork 01

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    Virtual air conditioners

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    Clericalization of Belgrade. All images from the Lost Highway Expedition, a multi annual project about “Balkanization” initiated by Centrala Foundation for Future Cities and the School of Missing Studies

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    Turbo Architecture / A Solid Loss of Memory by Srdjan Jovanovic Weiss

    vvork.com


    Extra City (mimetisme)

    Mimétisme is a group exhibition probing an alternative conceptual framework for “theatricality” in the visual arts. Rather than looking at formal exchanges between theatre and the arts, this exhibition brings together works that use and critically reflect the abilities to act and to become like something else. In doing so, it leaves behind the dominant understanding of mimesis as realist pictorial representation in favour of what Walter Benjamin has referred to as the “mimetic faculty”: the mind’s ability to detect and appropriate similarities, to mirror others, to imitate, to immerse and to become.

    Mimétisme begins to sketch an alternative history to the prevailing narrative of an overcoming of the mimetic paradigm. In this alternative history, mimesis and mimicry are not rejected, but used as performative strategies in order to critique, undermine and transform representations and societal regimes of identity from within, to counter the imposed mimesis of oppressive identification by using strategies of masking, camouflage and excessive mimicry. These strategies create a slippery terrain where the power of representation begins to turn back against itself.

    Along the historical trajectories of Brechtian performance and feminism, Mimétisme moves from exploring societal forms of behavioural copying, empathy and becoming similar (as in immersion into milieus and cultural assimilation) to forms of excessive mimesis, sketching out different possibilities to address power relations, and to portray, once again, the relation between individual and environment, thing and context or figure and ground.

    The exhibition is contextualised with an archive and a library of references and related material titled the Mimetic Cabinet, meant to offer insight into discussions on the subject surpassing the boundaries of various disciplines, such as art, biology, behavioural studies and politics.

    25 January – 30 March 2008
    Opening Thursday 24 January at 19.00

    Pawel Althamer & Artur Zmijewski, Charif Benhelima, Lieven de Boeck, Claude Cahun, Mircea Cantor, Andrea Cooper, Neil Cummings & Marysia Lewandowska, Dias & Riedweg, Harun Farocki, Tom Holert, Sofia Hulten, Peter Ott, Ria Pacquée, Jean Painlevé, Jean Rouch, Constanze Ruhm, Tomas Schmit, Isabelle Spengler, Erik Steinbrecher, Javier Téllez, Barbara Visser

    Curated by Anselm Franke
    Exhibition architecture: Pieter d’Haeseleer, Kris Kimpe and Bruno Poelaert
    Production: Lotte De Voeght and Ari Hiroshige

    http://www.extracity.org


    La artista invisible


    Entrevista con Hans-Ulrich Obrist


    Hans-Ulrich Obrist y Marek ClaassenHans-Ulrich Obrist es uno de los más prestigiosos curadores de arte contemporáneo. Actualmente trabaja como Codirector de Exposiciones y Programas y como Director de Proyectos Internacionales en la Serpentine Gallery de Londres.

    Arts facts Net: Por casualidad llegué a una website llamada http://www.edge.org, donde normalmente los científicos publican sus opiniones más personales. Ahora tú, como curador, preguntas por la fórmula de la vida. ¿Cuándo entraste en contacto con el mundo de la ciencia?

    Hans-Ulrich Obrist: Mi conexión con la ciencia comenzó hace mucho tiempo en Alemania. Siendo un joven curador, comencé a trabajar con Kasper König en Frankfurt. En 1991, estábamos trabajando en “La mirada pública”, mi primer libro, y en el 93 realizamos en Viena una gran muestra de pintura llamada Der zerbrochene Spiegel (“El espejo roto”). Yo estaba en contacto con Christa Maar, que lleva la Academy of the Third Millenium, la cual puso en contacto a gente como Ernst Pöppel y Wolf Singer, dos neurólogos alemanes, con arquitectos, artistas y estudiantes de todas las disciplinas.

    En el 93, me invitaron a las charlas de la Academy. Para mí supuso una auténtica revelación, ya que fue la primera vez que entré en contacto con científicos. Tuve largas conversaciones con Ernst Pöppel y otros. Y eso provocó mi relación con la ciencia. Yo iba a mostrar a Semir Zeki una exposición de Mark Rothko, y él me explicaría acerca de cuestiones neurocientíficas, acerca de lo que sucede en nuestro cerebro cuando vemos una pintura de Mark Rothko.
    Así que, poco a poco, empecé a pensar que podría ser interesante poner en contacto a artistas con esos científicos y desarrollar propuestas, y una de las primeras fue Art & Brain, que hicimos en un centro científico en Alemania; Carsten Höller estaba allí, Rosemarie Trockel, Douglas Gordon y muchos otros. Después hicimos otro proyecto llamado Bridge the gap? y más tarde Laboratorium, que se convirtió en un proyecto mayor.

    Pensé que podría ser interesante no sólo hacer conferencias sino también traer esa conexión con la ciencia al mundo de las exposiciones, que es mi medio primordial. Y la pregunta era ¿cómo traer la ciencia a una exposición? Ése fue el enfoque principal de Laboratorium, la muestra curada por Barbara Vanderlinden en el 99, en la cual invitamos a científicos y artistas a hablar sobre su lugar de trabajo, sobre su estudio y su laboratorio científico. Ésa fue la primer vez que desarrollamos una exposición a gran escala.
    Después seguimos haciendo conferencias como Bridge the gap?, con Akiko Miyake, en las que invitamos por una semana a científicos, artistas y arquitectos a Japón y desarrollamos una especie de think tank en el que el arte se encontraba con la ciencia y la arquitectura en un entorno diferente.

    El año pasado me trasladé a Londres, y junto a Julia Peyton-Jones comencé a traer esos proyectos a la Serpentine Gallery: programas públicos y educativos, exposiciones y arquitectura, que son los tres pilares. Obviamente, la pregunta era también: ¿cómo puede el pabellón ser una “content-machine”? Julia inició en el 2000 este proyecto de los pabellones, con arquitectos punteros a nivel mundial que construyen un pabellón cada año, y hablamos de la posibilidad de convertir eso también en un foro, un ágora para el diálogo.
    El año pasado tuvimos un verano muy intenso de conversaciones que culminaron en un maratón, en el que Rem Koolhaas, que había diseñado el pabellón junto a Cecil Balmond, decía que “la arquitectura sin contenido es una forma sin significado”. Así que este año nos dirigimos a Olafur Eliasson y Kejtil Thorsen, quienes inmediatamente cogieron esa idea y la llevaron más allá. […]
    Es una historia muy larga. Estamos trabajando mucho en esa relación arte-ciencia, así que nos pareció interesante que el pabellón se convirtiera de verdad en un lugar donde el maratón de experimentos pudiera tener lugar. Y Olafur pensó que este año sería interesante, más que hablar, pedir a la gente que hiciera algo, que hiciera un experimento en el pabellón. Ha habido más de 60 experimentos llevados a cabo por artistas y científicos durante el fin de semana de Frieze, en Octubre. Los resultados están en http://www.serpentinegallery.org.

    Hans-Ulrich Obrist durante la entrevista por las calles de Londres

    AfN: ¿Y ésa es tu fórmula de la vida?

    HUO: Sí, eso nos lleva a la pregunta sobre la fórmula. Siempre he tenido ese otro tipo de proyectos, exposiciones más inmateriales, y el más reciente es “Fórmulas para el Siglo XXI”. En los últimos 18 meses, he empezado a pedir a artistas de todo el mundo que me envíen una fórmula para el siglo XXI. Todo se desencadenó por una entrevista que hice al gran inventor Albert Hofmann. Al final de la misma, escribió en un trozo de papel la fórmula del LSD. Era una fórmula increíblemente simple, y pensé que podía ser interesante pedir a 100 artistas su fórmula. Poco a poco, mientras los artistas mandaban emails con su fórmula, las iba colocando en la pared de mi oficina. Al principio, cuando empecé a trabajar aquí, había sólo tres fórmulas en la pared, pero se fue llenando más y más, hasta quedar llena en un año.

    Una noche que teníamos una inauguración, John Brockman, el fundador de “Edge”, vio todas esas fórmulas en la pared de mi oficina, y dijo entusiasmado: “¡Eso es un proyecto “Edge”!¡Deberíamos hacer algo juntos!”. Le pidió a su lista de contactos que le enviaran una fórmula que nosotros presentamos después como parte del maratón de ciencia que hicimos aquí. Pensamos también que sería interesante que John Brockman realizara una sección del maratón. Brockman invitó a unos 10 científicos a realizar un experimento. Proyectos de este tipo no suelen desarrollarse dentro de un plan general. Es un modelo “de archipiélago”, en el que conectamos diversas islas de muchas maneras diferentes; hubo una isla John Brockman, una isla Israel Rosenfield y Luc Steels… En el website puedes ver una imagen de cada experimento.

    Lo que sucedió es que, de pronto, esa exposición inmaterial de fórmulas alcanzó un contexto totalmente distinto al ser presentado en “Edge”. De pronto estábamos en lo más alto de Boing Boing, el mayor blog del planeta, visitado por cientos de miles de personas de todo el mundo. Lo cual es muy importante para nosotros, ya que además de tender puentes interdisciplinares queremos acercar el arte a aquellos visitantes que normalmente no vendrían a una galería de arte.

    Serpentine Gallery Pavilion 2007, por Olafur Eliasson y Kjetil Thorsen

    AfN: ‘Edge’ llama siempre a esas entrevistas “¿Cuál es su pregunta?”, con un símbolo de interrogación. Y teneis un website llamado “Point d’ironie”, donde aparece también ese símbolo pero boca abajo, así que me preguntaba cuál es la conexión entre ambas cosas; no tiene nada que ver con la ironía, ¿no?

    HUO: No, artistas como James Lee Byars o Alighiero Boetti han sido muy influyentes para mí en mis comienzos como curador. James Lee Byars realizó su maravilloso proyecto The World Question Center en el 71, en el que, como artista, pidió a personalidades como Freeman Dyson o el Dalai Lama que hicieran una pregunta.

    El “point d’ironie” es otro proyecto, relacionado con la idea de inventar otros circuítos a través de los cuales diseminar el arte más allá de las vías convencionales. En realidad fue una conversación entre Christian Boltanski, el artista francés, Agnes B., la diseñadora, editora y coleccionista francesa, y yo. Hace unos diez años, pensamos en hacer unos posters doblados por la mitad que fueran a la vez una revista. Imprimimos cientos de miles de copias y las distribuímos por todo el mundo. Jonas Mekas hizo el primer número; los más recientes son obra de Damien Hirst, Richard Prince y Hreinn Fridfinnsson. Lo más interesante es que cada número sigue un circuíto diferente de distribución, porque obviamente siguen los canales de Agnes B. y una lista de museos, pero a la vez, se envían a donde quiera cada artista, a su propia lista de contactos, lo cual, en mi opinión, constituye la esencia de este proyecto. Actualmente, tenemos todas esas fuerzas de la globalización, y son obviamente peligrosas, porque pueden funcionar como fuerza homogeneizante. Creo que debemos usar el impulso de la globalización, porque representa una oportunidad de estimular y provocar un mayor diálogo global, pero al mismo tiempo debemos resistir ante esas fuerzas homogeneizantes, por lo que intentamos definir modelos que son en realidad una globalización productora de diferencia.

    AfN: Nos encontramos ahora mismo en este maravilloso pabellón diseñado por Olafur Eliasson y Kejtil Thorsen. Es una instalación temporal, ya que el pabellón será sustituído por otro. ¿No os parece triste, no os gustaría conservarlo? ¿Cuál es vuestra relación con la posesión?

    HUO: Es una pregunta interesante. Hasta cierto punto, las exposiciones son instalaciones temporales, muy relacionadas con el concepto de posesión. En el mundo del arte, hay un potente mercado; hay galerías, colecciones, y creo que es algo importantísimo, porque ayuda a crear permanencia, presencia a largo plazo del arte y de la arquitectura.
    En cualquier caso, paralelamente a esto, es muy importante que tengamos laboratorios donde realizar experimentos que no necesariamente han de durar, que son temporales porque permiten probar ideas. La exposiciones son medios temporales, y hacemos algo similar con la arquitectura, porque no estamos produciendo situaciones permanentes sino arquitectura efímera, construcciones temporales. De todos modos, estamos en “Royal Parks” y sólo podemos hacer cosas temporales, pero aparte de eso, todo esto se basa en la idea de que la arquitectura efímera es a veces la más innovadora. A lo largo de la historia ha habido invenciones arquitectónicas increíbles concebidas como pabellones, como por ejemplo el de Mies van der Rohe para la Exposición Universal de Barcelona.
    Buckminster Fuller dijo una vez que, al igual que podemos poseer coches o edificios, también podríamos considerarlos como un servicio que tendríamos únicamente cuando lo necesitásemos. De todos modos, creo que hay un lugar y una necesidad para estos experimentos. Al construirse un edificio para que dure se crea con otro espíritu que un edificio para dos o tres meses. Esto le da al arquitecto libertad para probar cosas más atrevidas, más extremas.

    AfN: Se te conoce como alguien que rompe los hábitos de contemplación (por ejemplo, Hotel Carlton Palace, Cloaca Maxima, Take me (I’m yours)) o las vías usuales de presentar arte (por ejemplo, en la Bienal de Lyon). Pones las cosas en un contexto diferente o les añades una capa. Es como si les recordaras a la gente: “hey, esto es arte y está por todos lados”. ¿Te consideras alguien dedicado a educar nuestros sentidos?

    HUO: Creo que eso surge de una necesidad de conversación con los artistas. […] Alighiero Boetti me dijo una vez que, como artista, siempre se le ha pedido hacer lo mismo. Se te pide hacer muestras en museos o galerías, lo cual es increíblemente limitado y restrictivo. […] Un proyecto artístico y su realización se basan en gran medida en discusiones; uno piensa acerca de cómo producir realidad, cómo hacer que las cosas sucedan. […] Cuando pides a un artista que haga cosas que no sean rutinarias, produce a veces obras muy, muy diferentes, llevado por la necesidad de producir nuevas experiencias.

    AfN: Una cosa que me sorprendió mucho al leer una de tus entrevistas es la cantidad de viajes implicados en tu profesión. ¿Es obligatoria esta emigración física si alguien quiere tener éxito en el mundo del arte?

    HUO: La idea de que se convierta en obligación no es beneficiosa. Hablando en concreto de las exposiciones, a veces no es necesario viajar, a veces es más importante investigar a nivel local. Una de mis experiencias más interesantes fue cuando hice la Bienal de Berlín junto a Nancy Spector y Klaus Biesenbach. No actuamos como los curadores que viajan por todo el mundo recluando a artistas para una bienal, sino que permanecimos en Berlín observando a los artistas que viven y trabajan allí. Prefiero centrarme en un par de lugares y profundizar más. Las ciudades en las que vivo son obviamente en las que investigo más profundamente qué es lo que sucede. […]

    AfN: Siempre he tenido la sensación de que hay tres facetas diferentes en la profesión de artista. Puedes ser un profesor, un artista de instalaciones para exposiciones o producir para las ferias de arte. Y algunos trabajan todas estas facetas. ¿Crees que esta tricotomía existe?

    HUO: El gran peligro es que hay cierta presión para homogeneizar las prácticas. Es interesante, hasta cierto punto, resistir a toda esta organización y ser diferentes. […] Que todos hagan lo mismo conduce a un empobrecimiento y, en cierto modo, se trata de producir una diferencia en un contexto en el que las fuerzas homogeneizantes están en juego. Es por ello que no puede haber ninguna prescripción del tipo “las cosas tienen que ser así, un artista debe ser así”. Es algo que tiene que ver más con que cada uno encuentre su propia trayectoria. Está en relación con las “Spaziergangswissenschaften” de las que habla Lucius Burckhardt, con las diferentes formas de navegar por el mundo.

    AfN: ¿Pero eliges a tus artistas simplemente vagando al azar?

    HUO: Es también sistemático. Como decía John Cage, es una casualidad muy controlada. […] He estado muy inspirado por la idea de partitura musical de John Cage, y de modo análogo intento evitar que el plan curatorial sea demasiado controlador. Quizás deberíamos permitir más azar en él, más improvisación, y es algo que se ve mucho en urbanismo o música.

    Entrevista: Marek Claassen

    Traducción: Raúl Molín López

    (27.11.2007)


    recorrer la exposición (kara walker en el whitney)

    Un recorrido por la exposición de Kara Walker en el Whitney Museum a cargo de James Kalm, quien semanalmente toma su cámara de video y sale en su bicicleta a recorrer exposiciones en Nueva York.

    pensar el museo


    cierre

    El OJO ATÓMICO CIERRA

    Tras cinco largos y apasionantes años de trabajo en la nave de la calle Mantuano, hemos decidido cerrar el local y emprender una nueva etapa del Ojo Atómico.

    La hostilidad del Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid, una encubierta y la otra abierta, pero igual de implacables, y la ausencia de diálogo con el Ministerio de Cultura, nos empujan al cierre, al igual que a otros espacios independientes, desaparecidos en los últimos meses. Podríamos resistir, pero ya hemos entrado en una fase de desgaste, y creemos más prudente un cambio de estrategia que el enrocamiento en posturas insostenibles a medio plazo. Han ganado ellos, al menos esta batalla que se inició en 2002 con la apertura de 29 Enchufes. Por primera vez llegó a haber una escena alternativa de arte en Madrid, caracterizada sobre todo por el afán de apertura al exterior. Basta ver los programas que han realizado 29 Enchufes, Liquidación Total y el Ojo Atómico, entre otros, para constatar la internacionalización que hemos llegado a alcanzar, y que sólo puede tener continuidad en nuestros previsibles, o ya consumados, exilios.

    No voy a disimular el mal sabor de boca que siento, porque seremos otra generación perdida, y como dije hace un año, para mí es la última. Mi edad, 45, y mis aspiraciones me empujan a centrarme en proyectos más institucionales, donde pueda disponer de los recursos que hasta ahora no he tenido. Dejamos atrás un excelente trabajo que ya está siendo olvidado. Hace una semana oía decir a un conocido historiador de arte que la escena de arte político de Madrid acabó en 2001. ¿Debo responder algo? ¿Explicar a estas alturas qué es arte y qué es política? ¡Qué nos olviden! Madrid no parece necesitar arte, sino obras públicas, munipas y olimpiadas.

    Uno de nuestros objetivos fracasados en esta etapa ha sido conseguir un marco legal de apoyo a la creación en Madrid. En el frustrado Manifiesto de los Agentes Artísticos de Madrid (www.ojoatomico.com/comunicados/documento4.html) describimos con todo detalle la situación que viven los creadores y los gestores independientes de esta ciudad. El texto era tan acertado que una esbirra de Carlos Baztán me llamó al móvil para pedirme que no publicaramos más manifiestos. si es que queríamos mantener el “diálogo”. Fue ese el día que decidí, personalmente, tirar la toalla, y renunciar a un “diálogo” imposible. Y de la CAM para qué hablar; yo, por eso del quid pro quo, les he puesto en mi lista negra. Es significatico que sólo AVAM y la Unión escribiesen un texto de apoyo a nuestra pretensión básica, un marco legal que regule el apoyo al arte con dinero público, y que tanto ADACE como el Consejo de la Crítica ni se dignasen a contestar. Quizás pensaron que esto es mezclar arte con política, o, como me dijo una alta carga del Matadero, que los que estamos fuera de las instituciones tenemos que “aprender a conformarnos”.

    Es todavía más lamentable que hoy, como en 1991, cuando abrí mi primera sala de exposiciones, el único lugar de Madrid adonde un artista puede dirigirse para empezar una carrera coherente sea la terminal de salidas internacionales de Barajas. Pero ahora el mundo es mucho más pequeño, y nada puede ocultar el ridículo de sus políticas culturales, de las noches en blanco, los mataderos, los madriles abiertos, los homenajes a la movida y de tantos centros de arte desorientados, sin contenidos y ahítos de buen rollito parroquial.

    Nosotros cerramos, contentos de lo mucho que hemos podido dar, y de lo mucho que hemos recibido. Gracias a los que de una u otra manera habéis estado con nosotros y a los artistas que desinteresadamente han venido de diferentes partes del mundo a colaborar con este proyecto.

    El viernes 21 consumamos el cierre, a partir de las 20 horas. Os invitamos a participar en una acción con Javier Pérez Aranda, que transformará en un mueble la conocida instalación que ha ocupado el altillo durante los últimos años, para después depositarla en los lugares indicados por el ayuntamiento para tal fin, y aprovechando que el 21 es el día designado para esto en Prosperidad. Regalaremos lo que nos sobre, pero no habrá bar, así que el que quiera puede traerse su propia bebida (bueno, nos quedan unas cajas de tequila). Se recomienda ropa de abrigo.

    Diciembre 2007

    El Ojo Atómico
    ANTIMUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
    C/. Mantuano 25, local
    28002 Madrid
    tel: 91 415 22 91
    www.ojoatomico.com